“Actualmente vale más una frase precisa que mil imágenes”

Ira Lombardía (Asturias, 1977) es una artista e investigadora que trabaja en diferentes medios como la fotografía, el vídeo, el diseño gráfico o la escultura. Con sus proyectos cuestiona discursos, dinámicas y retóricas que han sido asumidas en el ámbito del arte contemporáneo, la imagen o la filosofía. Su producción, tanto teórica como práctica, se centra en la transformación del paradigma postmoderno en relación con la cultura visual digital. Esta línea de investigación se desarrolla por medio de propuestas que desafían las formas tradicionales de producción, exhibición y documentación.

Su obra ha sido expuesta internacionalmente en lugares como la Bienal de Liverpool en el año 2014 o The Billboard Creative en Los Ángeles en 2016. A nivel nacional expuso entre otros espacios en el CCCB de Barcelona, la Biblioteca Nacional o el Centro de Arte Joven de la Comunidad de Madrid. Su proyecto de investigación doctoral, que está desarrollando en la Universidad Complutense de Madrid bajo el título Transfotografía o la Deriva Postfotográfica: una relectura de la teoría fotográfica en la era Post-Internet, ha recibido el apoyo de instituciones como la Fundación Banco Santander o la Universidad de Córdoba.

En nuestro medio pudimos celebrar una de las mejores exposiciones del 2016 en España, Influencer, en la Galería Alarcón Criado, en la que reunió una serie de ejercicios en torno a la cultura visual contemporánea en donde cuestionaba las relaciones entre teoría e imagen, y proponía una revisión del sistema de ordenación de los contenidos visuales, destacando la importancia que hasta ahora han tenido los soportes físicos de información como catálogos, tratados de arte y libros de teoría de la fotografía. Y en 2015 llevó a cabo la serie The Theoretical Rest, en la que indagó en lo que hay de violación de la privacidad y de encanto intimista y vulnerable en las fotografías tomadas a sujetos que no son conscientes de estar siendo retratados. Se apropió la artista de varias imágenes de filósofos fundamentales que han teorizado sobre el arte o la fotografía – como Walter Benjamin, Theodor Adorno, Jaques Derrida, Rolans Barthes o Susan Sontang entre otros-  y las retocó digitalmente para cerrarles los ojos, permitiéndonos contemplarlos como hasta ahora no lo habíamos hecho, con la guardia baja y desde una mayor cercanía.

Ira Lombardía es una excelente conversadora, dotada de una sólida formación intelectual procedente de sus estudios jurídicos por un lado y los artísticos por otro, se declara interesada por todo aquello que tenga que ver con la ciencia y la tecnología. Artista y docente, confiesa que es una mujer con muchos referentes a la hora de investigar y profundizar en el fenómeno cultural.

Ella afirma que “lo ideal sería que en nuestros días se produjera una revolución del contenido desde el significado, pero la exigencia de velocidad de la revolución tecnológica lo hace difícil. Los nuevos sistemas de difusión de la información hacen que se consuman, de forma inmediata los contenidos, en detrimento de los significados complejos, que necesitan un mayor tiempo de reflexión y escucha. Ahora los contenidos han de ser lo más breves y simples posibles. Llegando incluso a distribuirse contenidos vacíos”.

Estamos en la época de la lucha entre los bits y la materia e Ira profundiza al respecto con que estamos viviendo “una época de desmaterialización del contenido, algo que comenzó en los años 70. En la actualidad hemos pasado de producir objetos a producir signos. Vendemos, compramos y consumimos información. Es la era del semiocapitalismo. En el mundo del arte también se ha hecho presente. Las dinámicas de desmaterialización de la imagen comenzaron en Europa y Estados Unidos con la aparición del arte conceptual. Actualmente el proceso de desmaterialización se centra en lo visual. Es una evolución interesante en la que he centrado parte de mi tesis doctoral”.

Interrogada sobre lo qué es para ella una obra de arte contesta que “entiendo las obras de arte como un acto de investigación”. Y ¿cuándo es buena o mala una obra? Ella responde que “no trato de establecer si algo es bueno o malo en arte. Trato de tener un criterio más que valorar una obra por una cuestión de gusto. De hecho trato de luchar contra mi propio “gusto”. Para forjar mi criterio necesito contextualizar las piezas más allá de juzgarlas estéticamente. El arte  merece una reflexión lo más completa posible”

La pregunta nos surge de forma inmediata y se la trasladamos: ¿Entre tanto contexto no va a morir la obra asfixiada? Es tajante en su respuesta: “el arte contemporáneo necesita un conocimiento previo por su continua evolución no lineal. Todo sucede a la vez. El arte tiene es hipercontextual. No soy complaciente con un arte vago, meramente contemplativo. Las dinámicas del arte que me interesan son aquellas que me abren preguntas nuevas. Hoy en día la información se ha banalizado en todas las esferas. El arte es el espacio que nos queda en el que todavía tenemos tiempo para la reflexión”.

En su condición de docente enfrenta a sus alumnos con la pieza y les pregunta por ella. “A partir de ahí les facilito pautas y métodos para profundizar en la obra, para rellenar los huecos en blanco necesarios para construir un significado”.

Uno de los temas recurrentes en su obra es la de vencer el prejuicio y la ortodoxia de las diferentes manifestaciones  artística. Nos enseña una foto realizada en el 2008 que cuelga de una de las paredes de su estudio en el centro de Madrid. Prejuicio visual. “Esta es una pieza antigua, previa a toda la revolución postfotográfica. Se trata de la serie Paisaje Interferido.  Trata sobre la idea del paisaje como construcción ideológica. Sobre como tratamos de ver cosas que pertenecen a nuestro archivo visual más allá de que se correspondan con la realidad. Es un mirador de carretera  y yo quise sacar el andamiaje que separaba la carretera del mirador. El prejuicio es la valla que interfiere, hacerlo protagonista de la imagen, y no evitarlo, como hacían muchos de los fotógrafos que se paraban allí, es una forma de afrontar el paisaje de otra manera, pero también la propia construcción de las imágenes.”

Observamos que su mesa de trabajo y las estanterías que la rodean están llenas de libros. “Los libros me gustan porque mis padres eran grandes lectores y porque además el libro es un elemento simbólico, un formato de poder y fuente de autoridad. Foucault afirmaba que  para dar un discurso debes de poseer una cierta auctóritas. El libro legitima el discurso. Un libro es como el mármol de una escultura, es un material destila un capital simbólico por sí mismo. Va implícito. Por eso recupero libros y trabajo con ellos. Su carga simbólica construye pensamientos. Y eso me fascina.”

Dos potentes títulos de dos proyectos suyos invitan a conocer sus contenidos. Libros de semiótica para lectores de Tumblr. “La gente de nuestra generación tenemos la suerte de ser testigos de la revolución tecnológica. Han sido años muy concretos. Vengo de contextos semióticos, posmodernistas, de Barthes, Derrida o  Foucault. Pero hoy las imágenes se han emancipado. Antes necesitaban un mayor apoyo textual. Hoy están más cerca de la oralidad. Por eso me pregunté cómo sería un libro de semiótica para un lector de Tumblr. Elaboré una reproducción facsimilar de los mismos sin incluir ningún texto, solo las imágenes, como la red social Tumblr. Me interesa la relación que tenemos socialmente con las imágenes”.  Y llama la atención su afirmación siguiente por trabajar continuamente con imágenes: “una frase precisa vale más que 1000 imágenes en estos momentos. Es una paradoja, pero soy categórica en el momento actual. El exceso de imágenes nos lleva a esta contradicción. La hipervisualidad conduce a eso. No se trata de mirar, se trata de leer – como decía una de mis últimas piezas de 2015- Las imágenes también se leen.”.

Otro proyecto suyo es La puerta veneciana. Nos cuenta su origen. “El proyecto surgió  en la Bienal de Venecia de hace unos años. Tras recorrer los diferentes pabellones empecé a sentir una cierta decepción porque la calidad de la propuesta no era buena. Entonces decidí abandonar el recinto y visitar la ciudad pero antes me detuve en el cuarto de baño. Fue entonces cuando descubrí la que bauticé como ” La puerta Veneciana”. Una puerta interior del aseo, que estaba llena de pintadas, muchas de ellas debatiendo sobre lo que es la bienal y el arte en general. Estuve tres horas encerrada haciendo fotos y tomando notas. Era un espacio textual entre la avalancha de imágenes que suponía la Bienal. Los espectadores necesitaban escribir, aunque fuera en ese espacio residual. La caligrafía aproximaba a las palabras a la libertad del dibujo. Recuerdo muchas de las frases que se empecinaban en describir lo que era el arte. Mi favorita: “Tengo 14 años y amo el arte ( y la música, y las películas, y a los chicos y a mis amigos y comer helado”. Para mí eso es el arte, algo tan placentero como comerse un helado.

FICHADOS | MASDEARTE (Marzo 2017)

La casualidad ha hecho que repitamos, respecto a la semana pasada, fichada asturiana. Si el miércoles pasado os hablábamos de la pintura, a medio camino entre la vitalidad y la nostalgia, de Helena Toraño, hoy es el turno de conocer mejor a Ira Lombardía, una artista que ha estudiado los caminos de la fotografía tras la expansión de Internet a través de medios diversos: la propia fotografía, el vídeo, la escultura, el diseño gráfico y también la investigación teórica.

El título de su tesis doctoral, iniciada en 2014, ya resume sus intereses: Transfotografía o la deriva postfotográfica. Sobre la actualidad de la teoría fotográfica en la era post-Internet. Sobre sus trabajos teóricos, Ira explica: El objeto de estudio de mi trabajo de investigación no es otro que ese espacio, ese hueco, ese posible desencuentro que existe entre los referentes teóricos y la práctica fotográfica. No hay por mi parte ninguna intención de tratar de definir, como han hecho algunos autores, lo que es o deja de ser la Posfotografía, sino más bien, descubrir la posible flexibilidad o permeabilidad de algunos textos que considero fundamentales y analizar su posible vigencia. Y su obra podemos entenderla como una prolongación de esas preocupaciones: Estos proyectos completan mi investigación teórica desde la práctica artística y los considero una parte más de este proceso, ya que una investigación visual debe ser abordada y sustentada también desde la práctica.

Su exposición más reciente, “Influencer”, se clausuró el pasado enero en la Galería Alarcón Criado de Sevilla, sala que también llevó su obra a la última edición de ARCO. Antes, desde 2007, Ira ha presentado muestras individuales en diversos espacios de Córdoba, Madrid, Bilbao, Lisboa y Asturias; ha participado en muy numerosas colectivas y ferias (en el Reina Sofía, el MAC chileno, La Panera, la Biblioteca Nacional o el CCCB; el mes que viene la verán en ART LIMA y en mayo en el Festival de Fotografía Europea de Reggio Emilia) y ha sido premiada por el Festival de Cine de Gijón (2004), el Centro de Arte Joven de la Universidad Complutense (2008) o la Fundación Banco Santander (en 2015 obtuvo premio en Entreacto). Ese mismo año recibió una beca de residencia de la Universidad de Córdoba y La Fragua y el año pasado fue nominada al Post-Photography Prototyping Prize del Fotomuseum Winterthur y participó en el International Exhibition Call de The Billboard Creative.

Licenciada en Derecho, ha cursado másters sobre cultura visual contemporánea y fotografía en la Complutense y la Universidad Europea de Madrid (en este último caso, en colaboración con PhotoEspaña) y desde 2010 imparte diversos cursos en materias relacionadas en el Instituto Europeo di Design.

En el debate sobre si el imperio de Internet ha supuesto la muerte de la fotografía o “solo” una nueva etapa en su historia, que podría calificarse como Posfotografía, Lombardía aboga por la segunda postura: Es innegable que la revolución tecnológica ha modificado de forma sustancial la forma en la que entendemos y utilizamos las imágenes y de hecho, mi trabajo se centra en el estudio de esos cambios, pero considero que esta etapa digital es un paso más dentro de la historia de la fotografía y que a pesar de los fuertes cambios, existe una continuidad.

Entre los proyectos más destacados de Ira podemos destacar SD&CF Series (2010-2015), creada tras un proceso en el que tomó distancia respecto a su producción visual anterior: Decidí encerrar mis tarjetas fotográficas llenas de imágenes dentro de pequeñas cajas de plexiglás. La información que podemos saber sobre el contenido de las mismas es tan sólo es el número de imágenes y pequeños vídeos que contiene la tarjeta, el lugar donde fueron tomadas y el año.

Algunos de ellos tenían un carácter más profesional; otros, más heterogéneo y personal. Ira llamaba así la atención sobre la fácil posibilidad de condenar a la inmaterialidad a millares de imágenes que nunca serán ni vistas ni impresas y que, como mucho, pervivirán, de forma más o menos inconsciente, en nuestra memoria.

En 2014-2015 llevó a cabo The Theoretical Rest, en la que indagó en lo que hay de violación de la privacidad y de encanto intimista y vulnerable en las fotografías tomadas a sujetos que no son conscientes de estar siendo retratados. Se apropió la artista de varias imágenes de filósofos fundamentales que han teorizado sobre el arte o la fotografía y las retocó digitalmente para cerrarles los ojos, permitiéndonos contemplarlos como hasta ahora no lo habíamos hecho, con la guardia baja y desde una mayor cercanía.

De 2015 data Semiotic Books for Tumblr Readers, donde buscó explorar las nuevas relaciones entre texto e imagen derivadas de las redes sociales y las costumbres de los que podemos llamar “lectores visuales”. Este fue el proceso: Me he apropiado de algunos libros que teorizan sobre la imagen, generalmente textos posmodernos. Y he vuelto a producir todo su contenido, pero eliminando todo el texto que había en ellos. Así nos encontramos con libros llenos de páginas en blanco en las que sólo aparecen las imágenes  y la numeración, que nos marca el ritmo y recuerda el volumen de texto eliminado. Finalmente, una vez producido todo el contenido de nuevo, los libros han sido reencuadernarlos con las cubiertas originales.

El resultado fueron libros con páginas sin texto en las que ocasionalmente aparecían fotografías flotantes. Se acompañaban de pliegos, semejantes a los que se producen al editar una publicación, en los que las imágenes de esos libros se muestran volteadas o invertidas, permitiéndonos contemplar el contenido de esos volúmenes de un vistazo.

Y en ese año 2015 trabajó también en Notes for an Incomplete History, la materialización de sus ideas sobre la evolución actual de la fotografía en cinco esculturas que representan distintas etapas de la historia de este arte a través de los productos químicos y técnicos imperantes en cada una. Su mensaje estaba claro: Podemos afirmar que la fotografía ha muerto y ha resucitado en numerosas ocasiones y que se trata de una disciplina que, de forma inevitable, está unida a los cambios tecnológicos.

De ese proyecto formaban parte las piezas, muy atractivas visualmente, The Age of Glass y The Age of Silicon, paisajes desmontables. La primera, una pequeña montaña de polvo de vidrio, hacía referencia a una etapa temprana del desarrollo de la fotografía en la que dicho vidrio era el soporte de las imágenes; la segunda alude a la actualidad, con su silicio en polvo. En ambos casos, los materiales tienen para Ira connotaciones simbólicas.

No sé si es leyenda o realidad, pero en el alborear de los CD decían que Von Karajan aseguraba que sólo en una butaca concreta del auditorio diseñado por Scharoun para la Filarmónica de Berlín podía oírse la música con la nitidez alcanzada por el disco compacto. Se produjera o no tal declaración, y fuera resultado del afán de exactitud de Karajan o de su entusiasmo por la grabación digital, lo cierto es muchos puristas afirmaron desde entonces que la audición musical auténtica se lograba sólo con el compacto.

Esto remite a la complicada estructura que posibilita la recepción del arte. El oyente entusiasta cree percibir la intención y el quehacer del artista pero ¿a través de cuántas mediaciones? Más acá de las versiones de distintos directores, está la investigación que posibilitó el compacto y los equipos reproductores, los filtros para evitar sonidos no deseados, problemas de patentes, estrategias de mercado, textos explicativos del funcionamiento, otros textos, ahora críticos, sobre obras y directores… La institución-arte no es nada simple. Esta complejidad es uno de los ejes del trabajo, artístico e investigador, de Ira Lombardía (Asturias, 1977).

Insiste sobre todo en el libro de arte, un soporte que, se dice, permite llegar a la obra original. Por ello interesa su trabajo sobre La rueda de bicicleta de Marcel Duchamp. Ya saben: la rueda en su horquilla y ésta fijada a un taburete. Duchamp hizo ese artilugio en 1913, poco después de abandonar la pintura y el arte como profesión. Se dice que la Rueda fue el primer ready-made aunque quizá sólo fuera un precedente. Nunca se expuso. La tenía en su estudio en París y ahí la dejó al irse a Estados Unidos, donde volvió a construirla. Los dos ejemplares se perdieron. Debió de ser un trabajo de tanteo que el autor hizo sólo para él mismo. Hoy, paradójicamente, lo encontramos en numerosos libros sin que sepamos cuál de las seis versiones sucesivas sea la que tenemos a la vista. Lombardía ha rastreado esos libros y los ha fotografiado para ofrecer en grandes paneles la apariencia pública de una obra privada, que aunque se tenga como un punto de partida del arte contemporáneo, nunca sabremos si fue obra, ensayo o producto de la cáustica ironía del autor.

Más ambiciosa aún es la reflexión de Lombardía sobre un libro ya célebre: el que en 2004 hicieron cuatro críticos estadounidenses, cada uno con una perspectiva teórica diferente: Bois, Buchloh, Foster y Kraus. Pretendían trazar en perspectiva cien años de arte moderno y contemporáneo. Lombardía ha reproducido en excelente papel y cuidada edición los pliegos de impresión del libro pero suprimiendo los textos de los autores. Quedan sólo las reproducciones de las obras que parecen encogerse en su soledad mientras forman un enigmático laberinto, pues ¿cómo orientarse a través de ellas sin el hilo de Ariadna de los textos? ¿O es que quizá no eran necesarios? ¿Queda algo de las obras seleccionadas sin los escritos de los autores? ¿Es necesaria la tutela del historiador, el crítico o el teorizador para conectar con el arte? Son algunas de las preguntas que surgen ante los cuidados paneles de Lombardía.

El libro de arte tiene otra vertiente, la del catálogo: ¿qué permanece de una obra expuesta (y de su autor), si no la recoge un libro? Es una cuestión muy actual, cuando crisis y recortes vetan los catálogos. Lombardía interviene los tres libros de la Documenta XIII de Kassel, introduciendo una fotografía del Fridericianum hecha por una artista imaginaria, junto a datos personales de la supuesta autora y localización de la obra. Un cuarto libro explica el alcance y sentido de lo hecho. El resultado es un libro de artista que apunta a la importancia que tiene un material impreso para fijar una obra y dar visibilidad a su autor.

La muestra se completa con un gran panel de fotografías, también relacionadas con la institución y en cierto modo, de nuevo con el libro de arte. La obra nace de un fracaso: fotografiar, en la biblioteca del Museo Reina Sofía, la reproducción de una obra de Dan Flavin. Tarea imposible porque el papel del libro refleja las luces del recinto: ¿qué luces son de Flavin y cuáles las de bibliteca? Del conflicto surge la idea: comparar la obra de Flavin con los reflejos de los neones presentes en cualquier recinto, incluidas las bibliotecas de museos.

Ira Lombardía ofrece puntos para una meditación sobre las mediaciones del arte, dispositivos que, ajenos a la conciencia del receptor, lo hacen posible. Una meditación densa que tiene además otras dos virtudes: la cuidada (y laboriosa) confección de las obras (que se agradece) y un regusto irónico que, como debe ser, no se explicita. Sólo se ofrece al espectador.

En Alarcón Criado ha presentado este mismo año, entre otros trabajos, Influencer I, un archivo fotográfico centrado en la Rueda de bicicleta de Duchamp. Nos proponía indagar en las publicaciones en las que esa obra ha sido reproducida; un trabajo nada cómodo, porque las bibliotecas y buscadores no indexan las imágenes. El archivo contiene por ahora unas 50 fotografías que se presentaron en Sevilla como instalación para subrayar el carácter único de una obra que, en su misma esencia, proponía un debate evidente sobre la vigencia contemporánea de los conceptos de la autoría y la reproductibilidad.

También mostró allí And I think to myselfffffff, obra que en la que tomó como punto de partida los catálogos de las grandes exposiciones internacionales. Creó Log book, The Guide book y The Book of Books a partir de los tres catálogos originales de dOCUMENTA´s (13), sustituyendo unas páginas por otras e incorporando imágenes y textos. Paradoja: los libros que resultaron pueden parecer auténticos.

Para conocer mejor a Ira, podéis pasar por su web Iralombardia.com. Además de en Lima y Reggio Emilia, próximamente la veremos en CaixaForum Barcelona (ya en 2018), de la mano de la muestra comisariada por Alexandra Laudo “You are Not Here”.

La sociedad de la imagen, lo que guardamos en nuestra mente y lo que recibimos a través de Whatsaap, Facebook, páginas webs…, todo eso es lo que le interesa a la artista Ira Lombardía (Asturias, 1977), y cómo se construye el consumo de las mismas.

Ira Lombardía presenta en la galería Alarcón-Criado una exposición titulada «Influencer» que tuvo su punto de arranque en el comisario Jesús Alcaide con la exposición «Me acuerdo». «Influencer» tiene varias series que llenan de memoria e imágenes la galería sevillana.

«En estos momentos realizo un doctorado en la Universidad Complutense sobre Trasfotografía o la deriva fotográfica. Me interesan las dinámicas a través de las que se construye el consumo y la producción de imágenes en la era contemporánea», explica.

Para Lombardía, la imagen en nuestra sociedad es lo principal, «vivimos en un momento que podríamos calificar de hipervisual. Por un lado hay muchísimas imágenes hay una hegemonía de la imagen, y además al haber tantas, su significado se banaliza porque si no, no tendríamos tiempo literal para consumirlas».

Pone como ejemplo que si nos paráramos a reflexionar ante una imagen de Whatsaap lo que nos paramos ante un cuadro del Prado, no había tiempo material para vivir. «Sin duda somos cada día menos libres, las imágenes preconfiguran nuestra experiencia de las cosas y condicionan lo que luego vamos a experimentar, como si nos contaran siempre la película que vamos a ver».

Hace un trabajo artístico muy meticuloso, y se documenta sobre autores alrededor de Walter Benjamin, de los que hablan de apropiacionismo.

En la exposición de Alarcón-Criado se presentan cuatro series, una de ellas que da titulo a la muestra, «Influences», sobre documentar todas las páginas de los libros donde apareció públicada «La rueda de la bicicleta» de 1913 de Duchamp», una curiosa obra que va contra la autoría.

«After Art Theory» es una pieza que nos invita a replantearnos la relación entre texto e imagen. Lombardía recompone íntegramente el diseño del libro completo pero omite todo el texto. «And I think to myselfffffff», interviene en un catálogo de la Documenta de Kassel, y en concreto sustituye datos de un artista inventándose otro. Y, por último, «Interpretation Issues» que partió de la observación de la luz sobre un catálogo de Dan Flavin y el resultado visual de este efecto.

El curador y crítico Juanjo Santos conversó con la artista española Ira Lombardía acerca del fenómeno de la selfie y cómo están siendo modificados los actuales regímenes escópicos. Lombardía ha desarrollado su práctica artística alrededor de las ideas convencionales de la imagen, fotografía, arte y filosofía, aparte de ser investigadora de la transformación de la fotografía como medio y del arte conceptual en relación con las nuevas plataformas tecnológicas.

Coincidiendo con la inauguración de su exposición en Córdoba, Ira Lombardía concluía la huelga visual que la llevó a estar 1275 días sin difundir imágenes a través de su página web. Abrumada por el alto grado de saturación icónica al que nos aboca la sociedad de la comunicación, la huelga constituía para Ira, además de una acción artística, un «acto de rebeldía». «Hay tantas imágenes que ya prácticamente no tienen valor, tantas que son demasiadas, que pierden su fuerza, su significado, tantas que no se dejan respirar, ahogándolo todo, absolutamente todo», explicaba a la par que reclamaba un modelo sostenible en la producción de imágenes, una ecología que, lejos de reincidir en la elaboración de nuevas imágenes, apueste por dotar de nuevos significados a todo el magma icónico ya existente. Pero esta renuncia a seguir alimentando la red con nuevas imágenes no supuso obligatoriamente la interrupción de su producción artística. «No necesito producir imágenes para pensar sobre imágenes». Fruto de esta labor de investigación sobre la teoría fotográfica en la era postinternet es la Beca UCO-La Fragua de fotografía que Ira Lombardía consiguió en 2015 con el proyecto I see the darkness y que presenta en estos días en CoMbo.

El final de la lógica del índice, es el resultado del interés de la artista por esclarecer las relaciones entre la imagen digital, el carácter indiciario de la fotografía y su relación con el arte en la actualidad. Tomando como punto de partida el estudio del texto de Rossalind Krauss, Notas sobre el índice, Ira Lombardía propone un recorrido por una serie de obras que comparten procesos y naturaleza. Procesualmente todas las piezas surgen de archivos generados por la cámara que incorporan los teléfonos móviles y formalmente las tres obras denotan errores visuales: la fotografía o el vídeo no es capaz de registrar de forma adecuada el referente que estaba allí. Esta imposibilidad técnica del dispositivo desemboca en paisajes como el de I see the darkness, una instalación construida a partir de una fotografía nocturna del cielo de Asturias. Las limitaciones técnicas del sensor convierten el cielo estrellado en mero ruido digital, una imagen en la que no existe indicio alguno del referente y que recuerda a las composiciones del expresionismo abstracto. El error visual y el guiño a la tradición del arte contemporáneo también están presentes en Interpretation Issues, serie en la que la artista intenta fotografiar páginas de catálogos de Dan Flavin en la biblioteca del Museo Reina Sofía. La iluminación de la sala de lectura arroja una serie de reflejos a las imágenes que, a la vez que interfieren su legibilidad, añaden una vuelta más de tuerca a la obra del escultor de la luz fluorescente. Y en Nothing is what it is, otra falla técnica,  en este caso un problema derivado de la fluctuante temperatura de color de las lámparas fluorescentes, convierte una grabación realizada en Leroy Merlin en una escena dominada por los parpadeos y cambios involuntarios de color.

Más allá de lo amateur y lo fallido, apuntan desde Combo, «todas las imágenes se aproximan y referencian corrientes artísticas como el minimal o el arte abstracto, lo que ha permitido elaborar un discurso que nos aproxima al arte y su relación con la fotografía y como ésta interfiere y mediatiza nuestras experiencias tanto estéticas, como vitales. Así, todos estos archivos fallidos, nos ofrecen una segunda lectura y más allá de ser imágenes disfuncionales, si estamos dispuestos a leerlas y reflexionar sobre ellas, veremos como son capaces, desde sus limitaciones, de cuestionar la lógica del índice y nos permiten disfrutar de valores simbólicos, de significados que están más allá de los signos, de sentidos que se escapan de los referentes, de imágenes ilegibles». I see the darkness es la cuarta entrega de la beca de fotografía que auspician la Universidad de Córdoba y la residencia de artistas La Fragua de Belalcázar. Las anteriores ediciones recayeron en la artista belga Stephanie Roland, la alemana Nathalie Mohadjer y el alicantino Angel Masip.

La huelga ha terminado. Hace ya casi cuatro años que, decidida a romper con la “bulimia icónica”, la artista visual, investigadora y docente Ira Lombardía interrumpió la actualización de imágenes en su portfolio online. Lo que serían 1000 días de retiro visual se convirtieron en exactamente 1275.

Como un gesto poético y como un acto de rebeldía, este período simbolizó también un giro conceptual en su práctica artística. Su deserción temporal del mundo de “actualizaciones” no supuso obligatoriamente la interrupción de su producción. Interesada en verificar el papel mediatizador de las imágenes fotográficas en nuestra experiencia con el arte, la artista encuentra quizá en esta táctica algo que nos remite al vacío lleno de posibilidades, tan preciado para la tradición cultural japonesa, y que nada tiene que ver con una concepción occidental de improductividad. Todo lo contrario: en los últimos años, por ejemplo, ha participado en la Bienal de Liverpool (2014), expuesto en la Galería Moisés Perez de Albéniz en Madrid (2015) y participado de la residencia en La Fragua/The Forge Artist Residency en Córdoba (2015).

Más bien, estos días de reserva guardan una sutileza radical como la de la 28ª Bienal de São Paulo, la archiconocida “Bienal del Vacío”, cuyos espacios sin obras propuestos por el comisario Ivo Mesquita nos invitaban a un tiempo para pensar, recuperar la mirada y reinventar posibilidades. O nos reenvían a la célebre obra de Ryan Gander para la Documenta 13 (2012), I Need Some Meaning I Can Memorise (The Invisible Pull), en la que una ligera brisa atravesaba una de las grandes salas supuestamente vacías del Museo Fridericianum. Obra ésta que, aunque invisible e inmaterial, parece haber ocupado un lugar en la memoria sentimental de gran parte de la comunidad artística desde entonces – sirva como ejemplo la novela Kassel no invita a la lógica de Enrique Vila Matas – y que participa del precioso proyecto editorial And I think to myselffffffffff, what a wonderful worlllllllllld, producido por Lombardía en 2014.

Pero como hemos dicho, la huelga ha terminado. Hoy, la artista relanza su página web después de probar este potente “viaje al tiempo” – como definió en su día en el manifiesto I’m on strike. Y, como todo viajero solitario, ha vuelto y tiene mucho para contarnos.

“La verdad, es que hago muy pocas fotos”, asume la artista. Nada más coherente con una producción cuyos lema y temas residen en una incesante reflexión acerca del propio medio. “No necesito producir imágenes para pensar sobre imágenes”, completa. Entrar en su espacio de trabajo, ubicado en una (¿cómo no?) silenciosa calle del centro de Madrid, introduce ya la dimensión polivalente de su práctica: sus piezas, elegantemente dispuestas por el espacio, conviven en una rara armonía con libros de Adorno, Krauss, Benjamin, Baudrillard y Barthes. Una mezcla entre laboratorio fotográfico, despacho de filósofo y taller de artista, su estudio parece personificar la condición “multitask” de la artista. Curiosamente, uno no puede dejar de ver, al lado de una de sus mesas de trabajo, una impresión enmarcada que parece funcionar como chiste y como consigna: “POST-POST-POST”.

“Mi educación en un sentido visual ha sido absolutamente post-moderna. Y en un sentido teórico, post-estructuralista”, contextualiza esta asturiana, abogada de formación y que, afortunadamente, ha crecido en un ambiente familiar artístico. De hecho, confiesa que la cámara con la que más fotografías hizo era, en realidad, un juguete regalado por sus padres. Y como juguete, al simular la toma de una fotografía, hacía saltar un resorte con la cara de un payaso. “Me acuerdo de muchas imágenes hechas con esta cámara”, asegura Lombardía. Así, jugando con la técnica, remarca que la visibilidad no depende de su fijación en un soporte concreto. Se interesa más por la discusión sobre el cambio en las políticas de visualización, transmisión y creación de las imágenes actuales; que como las de su infancia pueden resultar inmateriales – aunque innegablemente existentes.

Desafiando la naturaleza mnemotécnica de la fotografía digital, la serie SD&CF expone en cajas de acrílico diferentes tarjetas SD que contienen registros de sus viajes por el mundo. Su número de imágenes, fecha y lugar de realización dan título a cada una de estas tarjetas de memorias, que ya no pueden volver a ser técnicamente activadas, puesto que ni la propia Lombardía puede ya recuperar sus archivos: no tiene sus copias – son imágenes que sólo sobreviven como recuerdos. Además de cuestionar nuestra dependencia de lo material y objetual en una era dónde paradójicamente creemos que todo se convierte en “nube”, la artista reinscribe este debate en el campo de lo autobiográfico: la pieza no deja de ser una huella, un vestigio que atestigua una experiencia de su autora y antigua propietaria. Antigua porque, al ser ofrecida al público de esta manera, extravasa su dimensión particular para ser capaz de contar la biografía de todos nosotros, haciendo estallar un mundo de imágenes – memorias, al fin y al cabo – en la mirada individual de cada espectador. La artista dona su memoria afectiva al público y plantea la cuestión básica de los que aman en tiempos de internet: “¿a quién pertenecen las imágenes?”

Lombardía tiene algo de delincuente. Con el arte hace teoría y con la teoría hace arte. Como artista visual, se declara apropiacionista. Como teórica, se aproxima a la filosofía con descaro, con cierta irreverencia. Con libertad y atrevimiento se permite enfrentar proyectos grandiosos como el ya citado And I think to myselffffffffff, what a wonderful worlllllllllld (2014), en el que “hackea” más de un centenar de páginas de las publicaciones oficiales de la Documenta de Kassel 13 para incluir una pieza de una artista ficticia. Bajo el pseudónimo de Alyce Kaplan, propone que un efecto de luz sobre una moqueta, hallado y fotografiado fortuitamente en uno de los espacios de exhibición de la ciudad alemana, sea una obra más en los catálogos. Recurre aquí al preciosismo y a la meticulosidad, trabajando durante dos años en colaboración con diseñadores gráficos, traductores y una encuadernadora, para introducir a la perfección una narrativa ficcional dentro de la lógica editorial del evento, proponiendo la fabulación como herramienta de incursión sobre la realidad.

Mientras Lombardía detalla el largo proceso de producción del proyecto, nos acompaña una Susan Sontag adormecida, cuyos ojos en el retrato colgado en una de las paredes del estudio han sido retocados por la artista, convirtiéndola así en la fotografía de un ser querido, íntimo y vulnerable – una amiga, una pariente, una amante. En esta serie Theoretical Rest, Lombardía le quita el pedestal de mito a diferentes filósofos con un gesto tan sencillo como el de cerrar sus ojos y hacerles dormir – la visión ocular, órgano de la perspectiva, vehículo del pensamiento racional da lugar al ensueño, la alucinación, la inconsciencia y el descanso.

Ni el aséptico mantra del “minimal art” – “What you see is what you see” – se resiste a la capacidad de revisión e invención de la artista. En su exposición más reciente, “El fin de la lógica del índice”, en el Espacio Combo en Córdoba, avanza su investigación conceptual sobre lo fotográfico al encontrar en los errores y fallos tecnológicos de la fotografía amateur un lugar dónde ubicar una pequeña perversión de algunos de los cánones del arte moderno. Aludiendo a “Notas sobre el índice” de Rosalind Krauss, Lombardía revisa los archivos de videos y fotos acumulados en su móvil para preguntar: ¿qué sucede con la imagen fotográfica cuando pierde su referente?

En I see the darkness recupera un registro nocturno del cielo de Asturias en 2012 para fabricar un grande “billboard” dónde se evidencia la pérdida del carácter indiciario de este insólito paisaje, ofreciendo una imagen que se aproxima a los motivos pictóricos del expresionismo abstracto. Y en Nothing is what it is, otro paisaje anodino: el video de una pared de neones en un Leroy Merlin se convierte en un registro fallido, ya que los fluorescentes, con sus diferentes temperaturas de color, confunden el balance de blancos de la cámara, provocando interferencias y latidos en la imagen. El guiño a Dan Flavin se produce automáticamente, y en Interpretation Issues Lombardía trata de fotografiar las páginas de catálogos de este artista bajo la luz de lectura de la biblioteca del Museo Reina Sofía. De nuevo se generan imágenes disfuncionales, puesto que esta interferencia luminosa se convierte en un intruso en el encuadre, no solamente impidiendo la lectura adecuada sino también confundiendo la recepción de la obra por el espectador: ¿dónde termina la obra y empieza el error?

Si por un lado, el conjunto de obras de Lombardía desestabilizan las directrices formales de la mirada y desafían el estatuto de verdad de lo fotográfico, por otro, invitan a disfrutar de los valores simbólicos ocultos en esta red de signos. Corrompiendo la fría perspectiva minimalista, estas obras buscan lecturas dobles y miradas insospechadas, capaces de encontrar sentidos que se desprendan de los referentes.

Asimismo, sin negar la capacidad de las imágenes para fabricar emociones, sus piezas tampoco rechazan lo estético. Aunque repita algunas veces que “el arte va más allá del ojo”, la artista no se contradice al asumir la superficialidad como escenario propio de una discusión sobre el lenguaje. La cuidada factura de sus obras se justifica claramente en la elegancia del pensamiento teórico que la sostiene. La estrategia visual está al servicio de su argumentación, tan sensible como contundente.

Hoy, Ira Lombardía, artista visual, investigadora, docente y “delincuente” re-estrena su web. Queda por descubrir lo que ha visto esta artista, aislada en su estudio tras tantos días de viaje interior: sea bajo la luz de un fluorescente o de los párpados de un filósofo dormido.